Mandarina Magazine

La Habitaci�n Roja - Universal

Urzainqui — 2010-03-14T20:16:00+01:00

Uno de los lanzamientos más esperados del año. La Habitación Roja publica el que es hasta la fecha su séptimo trabajo de estudio, Universal. Un regreso de al pop de sus inicios de estos valencianos ya universales.

Si en sus comienzos se les intentó comparar con los sempiternos Planetas, José, Jorge, Marc y Pau han seguido un camino totalmente distinto, quizá más alejado de los éxitos de ventas pero siempre tenidos en cuenta por un público que nunca les ha abandonado. Han firmado discos que ya quedan en el recuerdo colectivo de todos aquellos que les hemos seguido estos años, LHR, Largometraje, Radio o 4 les contemplan.

Tras el hito que marcó en su carrera Nuevos Tiempos, un giro más que evidente al rock y con el que saltaron a Mushroom Pillow, continuado por Cuando ya no quede nada, en Universal retomamos el pop que abandonaron en Largometraje, aunque sin las influencias brit de la época.

Universal es un rayo de luz tras la oscuridad que suponía Cuando ya no quede nada (como refleja la portada del álbum), un trabajo en el que destacan los arreglos de cuerdas y las guitarras acústicas. Tan accesible para sus fans más devotos como para aquellos que no los conozcan o hayan dejado de seguirles, eso se demuestra en que es su disco más vendido y el que más alto ha llegado en la lista de ventas.

Si hay que elegir su mejor canción, la decisión es fácil, "Voy a hacerte recordar" es tan buena como pueda serlo cualquiera de sus hits, una pista fácil en su concepción (un estribillo machacón) como pegadiza en su acabado.

En cuanto a letras, Jorge Martí firma todas las del álbum y nos conduce por escenarios muy propios de la banda, desespero, melancolía, ciertas dosis de optimismo y tristeza en su conjunto. Además de la citada, conviene echar un vistazo a la intensidad que desprende "Algo nos pasa" y "La noche se vuelve a encender", singles en potencia, la tremendamente bonita "Febrero" y "Muertos vivientes".

Lo mejor, el aire setentero que desprende alguna canción y el acertado giro pop que supone este disco en su carrera. Lo peor, quizá algún traspiés como "Días de vino y rosas" que no llega a estar a la altura de sus compañeras.

En definitiva, un buen disco para reencontrarse con LHR si les tenías perdido el hilo o si gustabas de sus primeros discos y no tanto de los siguientes. Un trabajo Universal, para todos los gustos. Muy recomendable.

www.lahabitacionroja.com

Food Inc.

abuelo — 2010-03-13T17:26:00+01:00

No soy muy de documentales. Con los de la 2 solía echarme la siesta y los de Michael Moore suelen gustarme únicamente por la banda sonora. Pero tenía ganas de ver Food Inc por mi condición de vegetariano, como un arma más que esgrimir ante los que me preguntan que por qué carajos no como carne, con lo buena que está.

Éste, que para mí tenía que haber ganado el oscar al mejor documental, es un trabajo bastante serio. En muchos momentos puede que peque de demagogo, pero serio. Dividido en pequeños capítulos, se adentra en el intenso mundo alimenticio americano. Como un No logo en imágenes, a los buenos españolitos, más allá de McDonald\'s, Wallmart y cuatro más, la mayoría de nombres de las empresas citadas nos sonarán completamente indiferentes, pero lo importante no es quedarse ahí, si no en el mensaje.

Quiero pensar que todavía no es extrapolable a España -aunque con nuestro ritmo de vida vayamos directos-, pero el panorama que Food Inc. nos muestra es desolador. Empresas alimentarias que controlan todo el proceso desde que, por ejemplo, una vaquita se cria "placidamente" hasta que llega a nuestra boca -perdón, vuestra-, con todo el poder de decisión, con raices bien sujetas dentro del armamento político, que tienen bajo su yugo a granjeros, agricultores y, sin darnos cuenta, consumidores.

Hago un corta y pega de la entrada de la wikipedia:

El primer segmento del film examina la producción industrial de carne, llamándola inhumana y económica y ambientalmente insostenible.^[1] ^[2] El segundo segmento se centra en la producción industrial de grano y verduras, etiquetándola de económica y ambientalmente insostenible también.^[1] ^[2] El tercer y final segmento trata sobre el poder económico y legal de las grandes compañías de produccion de alimentos (que según los autores se basa en ofrecer comida barata pero contaminada y en el uso de químicos basados en el petroleo, sobre todo pesticidas y fertilizantes) y la promoción de hábitos de consumo de comida insalubre hacia el público estadounidense.^[1]

Food Inc. viene a contarnos, en resumidas cuentas, que el establisment que se ha montado alrededor no sólo de la comida rápida, si no de la más estandarizada, es una gran mentira que interesa sólo a unos pocos. Cuando nos quejamos de que los tomates no saben a tomates, que las fresas no tienen ningún tipo de sabor, sólo es necesario rascar un poco para ver con que celeridad estamos cambiando tanto nuestros hábitos alimenticios como los procesos de cómo llegamos a comprar. Ya no existe la fruta de temporada. Un kiwi se planta en Galicia y no pasa nada. Y como estos, cincuentamil ejemplos.

Al final -aunque de manera muy de soslayo, y más como crítica a las multinacionales que como otra cosa-, un canto a la esperanza con las nuevas vías: la alimentación orgánica, las asociaciones de consumidores, las centrales de compra ecológicas.

No sé si Food Inc. es un buen o mal documental. A mí me ha gustado. Da que pensar, huyendo de imágenes desagradables y de estereotipos.

La Carretera (The Road)

Paranoid — 2010-03-13T13:15:00+01:00

Para los que nos aventuramos con el libro homónimo de Cormac McCarthy, tomar la decisión de ver la película basada en él ya es un atrevimiento. Hay que elegir muy bien el lugar y el momento, el resultado puede resultar deprimente (en el sentido literal). Para el que no recorrió el título del genial escritor, la osadía es doble: teme tanto a lo que le han contado como a lo que intuye pero no conoce. Si hay suerte y se acude preparado a la sala, la película triunfará.

La carretera muestra una historia apocalíptica de esas que, de vez en cuando, aparecen en la literatura, el cine o la música para comentarnos lo bien que lo estamos haciendo los humanos y lo lejos que podemos llegar. Sin entrar a comentar las diferencias entre el guión y su fuente original, que tampoco son muchas, el espectador conocerá de primeras a una familia (padre, madre e hijo) encerrada en su casa por motivos evidentes: fuera no hay nada. Bueno, sí, hay mundo, pesadilla, ceniza, destrucción, hombres totalmente embrutecidos (pocos pero peligrosos) y muerte.

Algo, que ni el autor del libro ni el director John Hillcoat relatan con precisión, ha acabado con toda sombra de esperanza y casi de vida en la faz de la tierra. El sol no hace apenas acto de presencia, el polvo flota en el ambiente, el verde ha desaparecido de la gama de colores y los humanos tienen, entre otras aficiones, la de cazar al prójimo para degustar su fina carne. Con este panorama, padre e hijo inician un duro viaje hacia la costa en busca de un clima más benigno. En busca de sobrevivir. De la madre no digo nada.

Aunque lógicamente el factor más importante de la cinta es el guión, y por ende la obra que adapta, resulta especialmente evocadora la fotografía del español Javier Aguirresarobe. Su trabajo en este film, que ha recibido grandes elogios, se combina a la perfección con unos impresionantes escenarios (reconozcámoslo, sólo en Estados Unidos se hacen cosas así) para dotar a la historia de una credibilidad sublime y al espectador de un cierto tipo de empatía: el deseo de la muerte de los protagonistas como acción liberadora pasa por la cabeza en no pocas ocasiones).

Dos protagonistas, por cierto, magníficamente interpretados por Viggo Mortensen, en el papel de padre, y Kodi Smit-McPhee en el de hijo. La lectura del libro (intenso y opresivo) crea dudas en el futuro espectador. ¿Logrará la historia mantener la tensión en los 112 minutos del metraje? ¿Cómo funcionarán los dos personajes en la pantalla, teniendo en cuenta su aparición constante y casi siempre sin compañía? De Viggo Mortensen no se descubre nada, resuelve bien su trabajo aunque extraña a veces su sabiduría en cuanto a técnicas de supervivencia. Claro que esto no es culpa del actor. La aparición de Charlize Theron es prácticamente un cameo. El niño, por su parte, exprime a la perfección las cualidades de su papel. Una prueba, lo pertubador de su llanto.

La Carretera es una película muy recomendable pero con condiciones. Insisto, es necesario elegir el momento propicio para acercarse a ella. No valen los domingos por la tarde, la excusa “ir al cine por hacer algo” o buscar la sala como refugio a una realidad deprimente (por ejemplo, después de una dura jornada de trabajo). Si la mentalización funciona, La Carretera también lo hará. Y vale la pena.

Miguel Delibes

Paranoid — 2010-03-12T15:47:00+01:00

Pocas veces me ha ocurrido. Dos, que recuerde. Ha muerto Miguel Delibes y esta mañana no he podido contener las lágrimas. Nunca le conocí, pero siempre sentí por él una especie de orgullo familiar indescriptible.

Se ha ido uno de los grandes. Puede que el que más. Se ha ido alguien que elevó el costumbrismo castellano al nivel de arte. Nadie supo retratar con tanta transparencia la vida del campo, su dureza y dificultades, sus sinsabores y también sus satisfacciones, que siempre alguna se colaba por un mínimo resquicio. Tantas y tantas sensaciones que él dibujó con palabras (también con palabras), que él nos legó como una obra de valor incalculable. Las ciudades se comen a los pueblos, el campo muere con sus habitantes. Su léxico se difumina pero deja su rastro en cada una de las obras del maestro.

A sus 89 años, Delibes ya había traspasado hace tiempo el umbral de la mitología de las letras (se me hace raro escribir en pasado). El Hereje (1998), su última novela, olió a despedida, a punto y final de una obra que navega entre la literatura y el periodismo, que presume de fidelidad a la realidad y de ella se sirve para secuestrar al lector. Ahora, con su muerte, el escritor accede directamente a un olimpo de privilegiados que en pocos años se estudiarán como los clásicos del castellano. Aunque a algunos, sus títulos ya nos han acompañado en nuestros libros de texto.

Ha muerto Miguel Delibes, pero algo de él, buena parte de él, permanece en sus creaciones.

Tachenko - Os re�s porque sois j�venes

Urzainqui — 2010-03-11T21:18:00+01:00

Una de las más sólidas realidades del panorama pop español son los aragoneses Tachenko, una banda que lleva en estado de gracia desde hace tiempo y lo confirma con la publicación de la mano de Limbo Starr de su nuevo trabajo, Os reís porque sois jóvenes. Gran título, mejor disco.

Los últimos años para Sergio Vinadé, Sebas Puente y compañía han estado llenos de luces y sombras; luces musicales por discos tan fabulosos como Esta vida pide otra y sombras por noticias tan tristes como la desaparición de Sergio Algora (compañero de fatigas en El niño gusano). En 2010 se ponen guapos, buena prueba de ello la foto de la portada, y entregan uno de los discos más elegantes de su carrera.

En esta aventura prescinden de colaboraciones de amigos (al menos conocidos) y se centra en el grupo "al natural", tal y como se mostraron en el mes y medio que tardaron en grabar este álbum.

A destacar "Escapatoria" que entra directamente en la lista de clásicos contemporáneos del grupo, una pista que (como Hyde Park de Cooper) cuaja desde su primera escucha y amenaza con ser una de las mejores canciones del año. Además de esta, hay que detenerse en "Compañeros del metal", con la que abren fuego, el sonido más clásico de la banda de "Tírame a un volcán" y el cierre del álbum, "Las flores del mal", altamente recomendables (dentro de un disco ya de por sí indispensable).

Os reís porque sois jóvenes es un disco de pop radical, de pop de toda la vida, fácil de escuchar, que se retiene y pega con algunas de las mejores canciones que ha firmado la banda en toda su carrera. Quizá uno de sus discos más accesibles, con la mejor producción que ha tenido la banda, un sonido limpio y unos arreglos impecables. Tachenko con sus mejores virtudes y ninguno de sus defectos, un disco redondo.

Lo peor es lo corto que se hace el disco, diez pistas que vuelan y que a base de disfrutarlas casi ni te enteras. Lo mejor, el "acabado final" no desmerece nada a las mejores producciones internacionales.

En definitiva, un trabajo sobresaliente. Fundamental en cualquier discoteca que se precie de tener la mejor música. Ideal para animar un día gris.

Pero es POP mamá: www.myspace.com/tachenkonet

Semana 10

Paranoid — 2010-03-08T23:16:00+01:00

He buscado en los mercados de futuros de Editoriales y también en los repositorios públicos, de aquellos que peinábamos en nuestra época ceutí. Como nada de lo encontrado reunía las condiciones necesarias para formar parte de Mandarina Magazine (incluidas las normas ISO 9001 y UNE 139803:2004), he decidido lanzarme yo mismo.

Décima semana de mes, y sucesivas, que así no nos pillamos los dedos. Se ve que los mandarinos tenemos poco que hacer o mucho optimismo porque salvo Conway, que siempre destacó por su prudencia, aquí todo el mundo prometemos demasiado. Al menos yo, y por mi empiezo. Si los astros me son favorables (los de verdad, no los del Madrid), y Layla me echa una mano, ofreceré una entrevista con Niño y Pistola (encantadores ellos, en serio) y algo para frenar la euforia que vivimos (modo irónico on), The Road, versión cine y quizás un poco también versión libro. Paranoid al poder.

Conway, por su parte, acaba de regalarnos su siempre adecuado resumen de la gala de los Oscar. Objetividad y opinión se mezclan en un análisis sesudo, de los que sólo él es capaz de parir, en el que uno de los mayores atractivos era, y es, el tratamiento del galardón a Sandra Bullock. Sin palabras.

Urzainqui sigue haciendo de las suyas e intenta, como de costumbre, evangelizarnos en materia musical desde su retiro tropical. Recemos todos para que nada le impida compartir con nosotros su sapiencia. Una entrevista a Charades y sendos comentarios sobre La Habitación Roja y Tachenko, esas son sus previsiones, los artículos que le elevarán de nuevo al más alto de nuestros altares.

El Abuelo Cascarrabias se encuentra de rodríguez y, por ende, hiperactivo. Su corazón se reparte entre dos Mandarinas, la nuestra (de todos) y la suya, esa de cuatro patas con cierta relación con el nombre de oh! Nuestra guía espiritual. Si el bicho le deja, estará con todos nosotros (vosotros) para contarnos sus impresiones sobre Los Hombres que Miraban Fijamente a las Cabras, Seabear y Food, Inc. Bien. Así me enteraré, sin recurrir a Google, que coños son los dos últimos temas.

Por lo demás, y si no resiste la manifestación de gafapastosos que se coloca bajo su balcón día a día, La Mujer Tirita volverá cual hija pródiga a este su dominio. No lo olvidemos, ella es la que sabe.

Por cierto, una línea más, sólo una, aplausos para Layla, ella también nos iluminará con su arte. Yo la presiono.

Suerte, señores, que la semana es larga.

And the winner is... - Oscar 2010

Conway — 2010-03-08T13:24:00+01:00

Los peores augurios no triunfaron en la noche grande del cine y James Cameron se quedó sin los eunucos dorados más importantes que cada año se entrega la industria de Hollywood. Lo cierto es que, entre tanta medianía como la que figuraba en la lista de candidatas a mejor película, que Avatar se hubiera hecho con el premio gordo no habría sido ninguna tragedia. Pero preferimos que la estatuilla fuese a las manos de su ex por su adrenalítico retrato de la guerra de Iraq.

Con seis Oscar, entre ellos el de mejor película, mejor director y mejor guión original, The Hurt Locker (En tierra hostil) ha despejado todas las dudas para consagrarse como la producción más destacada de los últimos doce meses. Como se han empeñado en mencionar todos los medios, Katrhyn Bigelow ha hecho historia al ser la primera mujer que se hace con el premio a la mejor dirección, algo que Jane Campion o Sofia Coppola únicamente rozaron. La Academia no ha querido que éste fuera el único hito por el que se recordara la edición de 2010 y ha recompensado a una no-actriz con el Oscar a la mejor interpretación femenina. Sandra Bullock, teñida de rubio y presuntamente intensa, ha desplazado a, esta vez sí, actrices como Meryl Streep o Helen Mirren del camino de la gloria. Un auténtico despropósito.

Al menos el de mejor actor no ha ido a las manos de alguno de los hermanos Jonas y sí a Jeff Bridges, por uno de esos papeles que gustan tanto en Hollywood pero que por aquí nos aburren sobremanera. Un premio cantado, como el de los secundarios, que tenían dueños desde hace varios meses. En especial el del extraordinario Christoph Waltz por su carismático cazajudíos de Malditos bastardos, el único y escaso reconocimiento para la gran, aunque no redonda, cinta de Tarantino. En cuanto a Mo\'Nique, el ogro de ese pasote de dramatismo bautizado como Precious, pues muy bien, aunque su actuación, más que fascinar, repele durante casi todo el metraje.

Más cosas. Pixar ha vuelto a engañar al respetable con su dosis anual de animación apta para todas las edades y ha sumado dos estatuillas más a su ya larga colección gracias a Up. De cualquier modo, a mí ni siquiera su brillantísimo arranque consiguió cautivarme más que otra de las nominadas en su categoría, Fantastic Mr. Fox, de la que hablaremos en breve.

Y un último apunte. El aplauso para Juan José Campanella por su premio a la mejor producción en habla no inglesa por una película prácticamente perfecta como El secreto de sus ojos. Uno de esos extraños casos en los que se juntan una historia atractiva y magníficamente bien narrada y unos actores perfectos en sus papeles con las dosis justas de emoción y reflexión de las grandes películas. La cinta se ha impuesto a, al menos, otros dos enormes largometrajes, La cinta blanca y Un profeta. Curioso, por cierto, que cualquiera de esos tres títulos sea superior a todos y cada uno de los diez trabajos que luchaban por el Oscar a la mejor película. Hollywood debería hacérselo mirar.

Entrevista con Charades

Urzainqui — 2010-03-04T23:35:00+01:00

Mucho se puede decir sobre Charades, parte intentamos plasmarlo en la reseña sobre su nuevo trabajo Revolución Solar, que hacen discos tan elegantes como fáciles de escuchar, que su pop rock bebe de los clásicos o que hacen que parezca tan sencillo hacer música, en definitiva, que es una de las bandas con un más que brillante presente. Gracias a BCore tenemos la posibilidad de entrevistarlos y a fé que resulta una conversación muy entretenida que aqui os presentamos. Que la disfrutéis.

Tras unos años, ¿habéis sentido que había hambre de nuevo material? ¿Cómo lleváis el tema de la promoción?

Toño: Hemos sentido una acogida muy calurosa por parte de todo el mundo; estamos haciendo muchas entrevistas y los comentarios están siendo muy positivos. Nos alegra y es muy bonito. Al mismo tiempo, la promoción es la parte que peor se nos da, sobre todo hacernos fotos: nos ponemos super tensos. Pero bueno, es genial tener la oportunidad de expresarnos y llegar a más gente.

Revolución Solar es vuestro nuevo trabajo, ¿qué marca este disco en vuestra carrera? ¿Es, como se suele decir, vuestro mejor trabajo hasta la fecha?

Isa: Todos los grupos solemos pensar que el último disco que hemos hecho es el mejor. La verdad es que ya estoy pensando en el siguiente que hagamos… Cuando volvamos de Austin me gustaría empezar a hacer canciones nuevas. Creo que para mi el mejor es el que está por venir. ¡Siempre!

Coki: Respecto a nuestra trayectoria no sé si este disco marca algo… no pensamos nunca en esos términos. Simplemente seguimos nuestro camino, tratando de hacer las cosas lo mejor que sabemos y como las sentimos.

Sin incidir en el cambio del idioma en vuestras letras, ¿sentís que os resulta más cómodo el expresaros en castellano o cada canción es un mundo?

Isa: Cuando cambiamos al castellano pensaba que cada canción o disco es un mundo y veía posible la vuelta al inglés. Ahora mismo no me apetece nada volver al inglés: me sentiría un poco rara y ajena…. Aunque nunca digas de esta agua no beberé. No sé, la idea es ahondar en nuestra propia identidad. Cuanto más local y honesto es algo, más universal se vuelve, ¿no?

No me resisto a preguntarlo: Charades, ¿porqué de vuestro nombre?

Antía: Significa “acertijos, adivinanzas” y también es una peli de Stanley Donen que mola un montón.

Aquel que espere que Revolución Solar sea la continuación directa/calco de En ningún lugar se va a llevar una decepción, ¿ganas de evolucionar, huir de clichés o simplemente surgió así?

Coki: Creo que somos un grupo que nunca va a hacer lo mismo porque es mucho más divertido para nosotros probar cosas nuevas y ver qué pasa. Eso tiene sus pros y sus contras pero es como lo hemos sentido hasta ahora. Tú no eres la misma persona de un año para otro, o te pasan cosas nuevas que te hacen ver la vida de otra manera; eso se extrapola a las canciones.

¿Cómo surge la dinámica de trabajo/ creación?

Toño: Isa lleva la melodía y la base de acordes y las arreglamos entre todos, dándole un aire u otro. Todos tenemos más o menos claro lo que queremos, lo que nos gusta, hay bastante química… así que suele salir muy natural.

En vuestro anterior trabajo cantabais a Hanna Arendt, en este toca Nerium Oleander, ¿gusto por los títulos rebuscados o ganas de aunar la filosofía con la botánica?

Isa: (risas) No, es que Coki la teclista es Ingeniero Forestal Paisajista y yo estudié Humanidades… de ahí la mezcolanza. Son títulos de cosas cercanas o cosas que nos gustan.

Continuáis con el mismo productor desde vuestro debut, Santi Garcia, ¿es el “miembro oculto” de la banda?

Coki: El papel de Santi es importantísimo ya que siempre ha hecho que nuestros discos suenen genial, materializando la producción que nosotros teníamos en la cabeza. Nos da mucha seguridad. Asimismo, nos parece muy importante la idea de crecer juntos, él como productor y nosotros como grupo. Cada vez que volvemos al estudio es una emoción muy grande para todos. Pero la verdad es hay varios miembros ocultos más. Además de Santi, están también Eric y Jose, nuestro tourmanager y técnico de sonido respetivamente. Vamos juntos a todas partes.

Guille:¡Y Otro ser excepcional llamado Vic! Hermano de Santi, trabajan mano a mano los dos en Ultramarinos Costa Brava.

Sería muy fácil encasillaros junto a otros grupos de chicas (en cuanto a voz solista se refiere), sin embargo quien observe con profundidad vuestra música se dará cuenta de muchos matices escondidos a la vista.

Isa: Nos gustaría que se nos comparase con otros grupos por su música, no por su condición sexual. Todas las chicas no hacemos la misma música, no entendemos la clasificación “grupo de chicas”, eso no es un genero musical ni nada parecido: ¿Acaso L7 y las Ronettes suenan igual? La verdad es que ocurre cada vez menos y la gente presta más atención a las canciones. Además, nunca hemos utilizado nuestra sexualidad como reclamo ni hemos dado bombo al hecho de que haya mayoría femenina. Hay tres chicas en el grupo y somos felices siéndolo pero este grupo va de hacer canciones y expresarnos a través de la música. Además, en este grupo hay DOS chicos más.

Tenéis la cualidad de hablar de temas como las drogas y el alcohol y seguir sonando sofisticados y elegantes, ¿todo depende de según cómo se diga?

Guille: No, en multitud de ocasiones no es válido el "depende cómo se diga". Hay cosas que las digas como las digas son terribles, o maravillosas. No sé, para nosotros, éste es un tema normal como muchos otros, no queremos ni exagerarlo ni exaltarlo ni hacer apología... no sé. Creo que " la elegancia" no reside en el tema de conversación sino en el individuo.

Isa: A mi hablar de drogas me parece aburrido y cutre. Obviamente si hablas como Luis Racionero, es estupendo y muy interesante. Pero no nos gusta, a estas alturas de la película, exaltar las drogas o hacer apología; es irresponsable y un cliché.

Si hemos hablado de ellas ha sido de manera críptica y lo hemos hecho porque formaban parte de la realidad sobre la que estábamos cantando. Pero vamos, que lo hacemos tan críptico que casi nadie sabe que hablamos de esas cosas.

Un pequeño juego, ¿qué es lo primero que os viene a la mente de estos conceptos?:

* Charades AMIGOS * Música VIDA * POP MELODÍA * Comercialidad PROS Y CONTRAS * Independencia LIBERTAD * Crisis DOLOR Y MIEDO * PSOE DESASTRE * PP LAMENTABLE * FIB MASA DE GENTE

¿En este disco prevalecen las melodías sobre las letras y los juegos vocales son protagonistas?

Antía: Más bien creo que están compensados por igual. Hay tanta letra como juegos vocales… Nos apetecía mucho crear estructuras de voz; nos parecía que las capas de coros “onomatopéyicos” materializaban mucho mejor que las palabras la sensación de explosión, de catársis o de emoción. Son mucho más viscerales que las palabras, como aullidos o suspiros.

Por favor, contadnos alguna anécdota surgida en la grabación del álbum

Toño: Pues aunque acabamos de decir que no nos gusta hablar de drogas... ¡¡esta será la última vez!! (risas) Durante la grabación nos fumamos una bolsa de Mercadona llena de marihuana… Es decir, ¡fue una anécdota contínua! Un día descubrimos un parque temático sobre gnomos y flipamos. Nos compramos gorros rojos de gnomos y todo! (risas)

Guille: Yo si fumo vomito… ¡mejor en un yogur de Soja natural jaja.!

Yo recomiendo un disco nuevo, se llama Revolución Solar de Charades, ¿Cuál me podríais recomendar vosotros?

Isa: Te recomiendo tres grupos madrileños que han surgido recientemente y son increíbles: Prisma en Llamas, One Mountain y Abominable Futuro. Los tres son super personales y sus canciones son alucinantes.

¿ Vuestras próximas citas y/o apariciones festivaleras? Al respecto de esto último coincidíais en opinión con mi gurú, en cuanto a no gustaros demasiado, ¿seguís pensando igual?

Antía: Si, la verdad es que tanto para tocar como asistente, los festivales son un poco incómodos. Son demasiados grupos concentrados en muy poco tiempo, no da tiempo a asimilar nada. Suelen sonar fatal, los grupos no tienen el mismo feeling que una sala, hay demasiada gente... Pero tabién es una oportunidad para ver bandas que si no, jamás podríamos ver. Nosotros vamos a tocar en el SXSW de Austin que es el festi más grande de música del mundo… a ver cómo es! También tocaremos en el Southpop, en el Plastidepop… intentaremos que salga lo mejor posible.

Por último agradeceros vuestra atención y tan sólo me despido pidiéndoos unas palabras para los lectores de Mandarina Magazine.

Todos: Muchas gracias a todos y REVOLUCIÓN SOLAAAARR!!!! Y enhorabuena por vuestra revista.

Lo dicho, muchas gracias.

Urzainqui

Charades - Revoluci�n Solar

Urzainqui — 2010-03-03T17:34:00+01:00

Charades regresan a la actualidad anunciando la Revolución Solar, un nuevo trabajo que les consolida como una de las mejores realidades del pop cantado en castellano del momento. Y la semana que viene, una estupenda entrevista con ellos.

Este comienzo de año está sembrado de atractivos lanzamientos en cuanto al pop colorista se refiere. Si a la vuelta de la esquina nos espera la reseña de los nuevos discos de Tachenko y de La Habitación Roja, ahora nos ocupa lo nuevo de Charades, banda que cambió el pico por la pala y acertadamente pasó al castellano (su debut lo hicieron cantado en la lengua de Shakespeare) no para vender más discos, si no para encontrar su hábitat natural en el cual mejor expresarse.

Si ya en En ningún lugar demostraron su buen hacer con canciones tan bonitas como "La carta", en Revolución Solar Charades demuestran su madurez musical encontrando un estilo propio e inconfundible, buena prueba de ello son canciones como "Nerium Oleander" o la premonitoria "A la Tercera Va la Vencida" en las que el pop rock marca de la casa brilla con luz propia.

Revolución Solar es un bello disco cantado en femenino, dulce, frágil como sólo puede serlo el amor o su falta, al cual cantan en la mayoría de sus canciones. Producido por su habitual Santi Garcia, tripiten colaboración, las letras pierden protagonismo en favor de melodías pegadizas y juegos vocales en los que se han convertido en unos maestros. Recomendado para amantes del indie pop y especialmente para fans de bandas como La buena vida o Nosoträsh.

A destacar piezas como la rockera "Aguaceros", la pista que da nombre al disco y "En las Batallas", grandes canciones de fácil pegada que cuajan a la primera. Revolución Solar gana con cada escucha y se muestra un disco engañosamente simple que gana complejidad cuanto más se oye.

Lo mejor, que no nos falten nunca bandas como Charades. El pero, que pase inadvertido en este desembarco musical que vivimos hoy en día en el que nos llegan cinco o seis discos de una tacada cada semana.

Una banda muy a tener en cuenta. Un notable alto hecho galleta de diez canciones.

www.bcoredisc.com

www.myspace.com/lascharades

Valladolindie 2010

Paranoid — 2010-03-02T00:11:00+01:00

Valladolindie, “el festival más largo del mundo”, está a punto de comenzar su edición de 2010, o lo que es lo mismo, de cumplir su decimoquinto cumpleaños. Se dice pronto, quince años acercando a Valladolid lo más destacado de la escena musical alternativa. El programa de este año no deja lugar a dudas, esta cita goza de muy buena salud.

La principal novedad de la presente edición de Valladolindie no está en las sedes ni tampoco alude a los grupos participantes. La nota diferenciadora del festival, en su versión 2010, se refiere a su tamaño compacto concentrado alrededor de una intensa actividad central. Durante el mes de marzo que acabamos de estrenar, algunas bandas ya clásicas en el escaparate musical alternarán con otras en busca de un hueco al hilo de un programa en ocasiones diario. Los puntos discordantes, el comienzo y el final de la programación: todo empezó con Piano Magic el pasado 23 de febrero. Todo terminará con un auténtico plato fuerte, nada menos que Sex Museum acompañados por los vallisoletanos Arizona Baby. Un punto final con clase para un cumpleaños como este.

Programa:

04/03/2010

La Habitación Roja

Sala Mambo.

12€ anticipada (venta en La Luna, Café Teatro y La Piedra) /15€ taquilla

05/03/2010

Miss Caffeina

Sala Bagur.

10€ anticipada (venta en La Luna, Café Teatro y La Piedra) /12€ taquilla

09/03/2010

Big Boss Man [concierto organizado en colaboración con Reducto Sónico]

Sala Mambo.

Precio único 6€

10/03/2010

Idealipsticks

Auditorio del Espacio Joven.

Precio único 6€ en taquilla

11/03/2010

Maga

Sala Mambo.

10€ anticipada (venta en La Luna, Café Teatro y La Piedra) /12€ taquilla

12/03/2010

Sidonie

Auditorio de la Feria de muestras de Valladolid.

Precio único 14€ (a la venta en Ticketmaster)

13/03/2010

Violadores del Verso

Polideportivo Canterac. 21:30

Precio único 14€ (a la venta en Ticketmaster)

18/03/2010

Dorian [concierto en colaboración con la Universidad de Valladolid]

Sala Mambo.

12€ anticipada (venta en La Luna, Café Teatro y La Piedra) /15€ taquilla [descuento con tarjeta UVA por confirmar]

05/06/2010

Sex Museum, Arizona Baby & friends

Museo Patio Herreriano. 20:30

Precio 10€

Up in the air

abuelo — 2010-02-26T22:19:00+01:00

Venga, voy a bajar el listón que hace mucho tiempo que yo no vengo por estos fueros. Ya sabéis, lo típico. Y eso que cuando ví la nueva del director de Juno hace más de un mes lo primero que pensé es "esto lo tengo que contar yo en Mondarine", pero claro, las palabras, como las promesas que cantara Iván Ferreiro, se las lleva el viento.

Quizás exceptuando The hurt locker, por preferencias y afinidades Up in the air sería mi favorita para los oscar. Porque igual que el año pasado ocurrió con el guión de Diablo Cody, es el único golpe de aire fresco que uno se encuentra entre tanto formalismo. Porque por mucho que nos vendan que An education es una gran película, no deja de ser cine clasicazo hecho en 2009. Vamos, claro, lo que encanta a los académicos.

Pero en cambio en Up in the air, independientemente de que caiga en ciertos errores, en sumirse en la asunción de ciertos cánones o incluso tenga un final previsible, da gusto verla y disfrutas de ella desde el primer momento, no solo por el dinamismo de la narración de los primeros diez minutos, que te pone rapidamente al día, sin andarse con circunloquios, sino como con la cercanía del mensaje, tan contemporáneo, tan crudo y directo como melancólico.

George Clooney, para mí uno de los mejores actores de la actualidad, a altura de cualquiera de los clásicos que han quedado para la historia, que lo mismo te marca un Syriana que te dirige un Buenas noches y buena suerte, lo borda en su papel de Ryan Bingham, casi hecho a su medida y semejanza: empleado de una empresa que podría simbolizar la antítesis de una de recursos humanos, su trabajo se limita a, en nombre de sus clientes, despedir a aquellos que en estos tiempos de crisis sobran. Nos encontramos así ante un protagonista principal complemente desarraigado, materialista y minimalista a partes iguales, sin aspiraciones más allá de, hete aquí el hito, conseguir diez millones de millas voladas como pasajero frecuente de una aerolinea y que pongan su nombre a un avión. Ese es su fin último.

Atrás por inútiles quedan las relaciones sociales, los compromisos, todo es prescindible, dado que al final cualquier vínculo supone una obligación. Y nuestro protagonista huye de las obligaciones. Pero no de una manera egoísta, entrando en ellas y después huyendo despavorido. No. Lo hace con la mayor de las lógicas y argumentando a cualquiera que intente convencerlo de lo contrario, como podría hacerlo su compañera de trabajo Anna Kendrick, recién llegada al puesto y que aún no se ha amoldado a esa frialdad con que Bingham cubre todo lo que le rodea.

Así, a simple vista, nos encontramos como he dicho con una película contemporánea, que toca muy de cerca, y muy desde el punto de vista sentimental, pero sin caer en maniqueismos, esta crisis económica que está afectando a todo y todos. Lo malo es cuando Jason Reitman decide meter moralina y toda la idiosincrasia de cada personaje cae por el retrete en un final muy previsible a tenor de los acontecimientos, que deja a uno con un extraño sabor de boca.

Pero pese a ello, merece sin duda la pena. Aparte de tener una banda sonora deliciosa y una Vera Farmiga guapísima.

El mano a mano de Benjam�n Prado con Joaqu�n Sabina

Colaborador — 2010-02-25T22:16:00+01:00

Layla

Es difícil describir cualquier proceso creativo. ¿Cómo se piensa una canción? ¿Cómo se elabora un disco? Benjamín Prado habla en Romper una Canción sobre su experiencia escribiendo mano a mano con Joaquín Sabina las canciones de “Vinagre y Rosas”.

Todo comenzó una madrugada de borrachera, cuando los dos amigos, ebrios de creatividad, alumbraron “Parte meteorológico”, como punto y final de una noche divertida. Después de esta experiencia, Sabina pidió a Prado que emprendieran juntos una aventura, escribir un disco a medias. Lo mejor para propiciar la inspiración, una estancia de una semana en Praga. Ciudad de iglesias, limusinas y ostras. Un marco propicio para pensar lo que querían decir e ir poniendo letras al pensamiento.

Un bar, tabaco, alcohol, recuerdos y la creatividad de los dos amigos es suficiente para comenzar una lucha encarnizada por plasmar en el papel en blanco una buena canción. No sirve lo bueno, necesitan lo mejor. Ese es el mensaje principal del libro “Romper una canción”, el esfuerzo, la dedicación, la pasión por encontrar el verso perfecto para un pensamiento concreto. Algo difícil y más, si se hace entre dos.

Llama la atención la cantidad de alcohol y lujo que les hace falta a estos dos para hacer un buen disco. Venga whiskys, venga comidas en buenos restaurantes, venga hoteles de cinco estrellas…y me doy cuenta de que ellos no le dan la mayor importancia. Benjamín Prado pasa por esos lugares como al descuido, sólo para describir una realidad, sólo para que el lector comprenda el contexto del proceso creativo. Está claro que no pretende vanagloriarse de su estatus, que está acostumbrado a vivir así, entre comida y comida de 100 euros.

Un libro escrito con admiración y cariño, desde la perspectiva de la profunda amistad que Prado profesa a Sabina. En el que se recoge cómo se creó el disco, pero también se hace un esbozo de la vida (y la forma de vivirla) de Sabina.

Aparte del contenido que narra, como lectora, me quedo con el continente, el envoltorio precioso hecho de palabras, dibujos y fotografías en que lo presenta Benjamín Prado.

Shutter Island

Conway — 2010-02-25T16:31:00+01:00

El material escrito por Dennis Lehane en la novela Shutter Island ofrecía infinitas posibilidades para adaptarlo al cine con un resultado notable. Bajo la dirección de Martin Scorsese no sólo se alcanza esta calificación, sino que roza, en ocasiones, el listón del sobresaliente.

Y eso sin que el realizador de Taxi Driver haya tenido que emplearse a fondo. Le ha bastado con seguir fielmente las migas de pan narrativas que aparecían en el relato para, poco a poco, sumir al espectador en un estado de confusión similar al que experimenta su protagonista, un agente federal que investiga en una aislada isla la desaparición de una reclusa con problemas mentales. El clima psicótico que impera en esta prisión de máxima seguridad cala en Teddy Daniels, que entra en una espiral desconcertante que le impedirá distinguir realidad de ficción.

Dejando de lado errores de bulto incomprensibles en un realizador de su talla (su estatura no, lo otro), como un imposible travelling durante un fusilamiento en Dachau, Scorsese mantiene el vigor tras la cámara que le ha identificado a lo largo de toda su carrera. No renuncia a sus violentos movimientos de cámara ni a su agresivo montaje, aunque es cierto que en sus últimos trabajos se le adivina una realización más contemporizadora y menos impulsiva de lo habitual en él.

Ambientada en unos paranoicos años cincuenta con el terror rojo flotando en el ambiente, Shutter Island respira cine clásico, adornado con fogonazos en forma de sueños en los que aparecen episodios del pasado de su protagonista y ofrecen pistas de una enmarañada trama que sólo al final quedará perfectamente aclarada.

Para el rol principal Scorsese ha vuelto a confiar en Leonardo DiCaprio, fijo ya en sus últimos trabajos y que, sin ser Robert DeNiro, es mucho mejor actor de lo que muchos están dispuestos a aceptar. Mark Rufallo, algo perdido; Ben Kingsley, solvente, y Michelle Williams, enigmática, fortalecen el reparto.

La película confirma, además, el estado de gracia de un escritor, Lehane, que ha visto cómo en los últimos años otras dos novelas suyas (Mystic River y Adiós pequeña, adiós) servían como base de excelentes películas.

Entrevista con Dr. Sapo

Paranoid — 2010-02-23T22:06:00+01:00

Vuelves de trabajar. Atasco. Mal tiempo, lluvia, frío y un cielo eternamente gris. Es hora de buscar un antídoto, algo que te haga sonreír, evadirte por un rato y hasta reflexionar. Así que piensas, “tengo por aquí a Dr. Sapo”, y entre el nombre, canciones a los Reyes Magos y una historia sobre el caracol más tenaz de la historia, todo pinta de otra manera.

Y como a todo buen lanzamiento, le sigue buena gira. Más abajo las fechas para disfrutar de este No Hay Fronteras en directo.

Te habrán preguntado 100 veces por el nombre. Una más. ¿Por qué lo elegiste?

Jajaja, ¡las que hagan falta! El nombre surgió una noche que no paraba de llover y nos encontramos un sapo en la puerta del local de ensayo. El prefijo Doctor ya lo tenía pensado hace tiempo porque me gusta pensar en la música como una terapia, para desconectar de los problemas y sentirse mejor con uno mismo. Total que esa noche vimos el sapo y todo encajó… Doctor Sapo.

No Hay Fronteras es un tratado del buen rollo en forma de disco. ¿Apuntas a la gente feliz o pretendes evangelizar?

Yo no apunto a nadie, es la forma que tengo de expresarme. Las canciones van dirigidas a todas aquellas personas que son capaces de disfrutar escuchándolas, por supuesto, me encantaría que fuera mucha gente.

¿Eres tan optimista como tu música?

No se hasta que punto mis canciones son optimistas. Sí puedo decir que lo soy por naturaleza y supongo que eso se refleja en las canciones que hago.

Tu tercer álbum ofrece 13 temas sencillos, inmediatos y muy cuidados. ¿Puedes describir tu música para alguien que no te conozca?

Dr. Sapo son canciones hechas con cariño, con matices muy variados que aporta cada miembro de la banda. Mi frase preferida que define este disco y nuestra música es “dedicado al niño que todos llevamos dentro”.

¿Cuáles son tus referentes en este mundo?

Extremoduro, Albert Pla, La Cabra Mecánica, Los Piratas, Joaquín Sabina, Alejandro Sanz… En general todos los artistas nacionales que me transmiten algo con su música han servido de inspiración para mí.

Y del presente, ¿quiénes serían tus mejores compañeros de baile?

Pues muchos de los que he nombrado arriba, pero también artistas como Albertucho, con el cual he compartido escenario en otras ocasiones y para mí, ha sido una experiencia increíble de la que he aprendido mucho.

Si no fueras músico, ¿te ganarías la vida escribiendo cuentos?

Jajaja, ni me planteo no poder hacer música. Pero siempre he tenido en mi cabeza la posibilidad de escribir, quién sabe. Quizás el próximo disco vaya acompañado de algún cuento.

Mirando tus canciones, ¿Rogelio El Caracol es un tipo con coraje o un perfecto temerario?

Rogelio tiene mucho hambre, ve la lechuga al otro lado de la carretera y se marca el objetivo de llegar hasta ella para comérsela. Creo que es un caracol con mucho coraje.

Tu gira de presentación consta de casi 20 directos. ¿Cómo es un concierto de Dr. Sapo? ¿Cómo es su público?

Un concierto de Dr. Sapo es como las canciones: divertido, ingenuo, travieso…

En el escenario tenemos una actitud más rockera que en el disco, nos gusta meter caña y que la gente sienta las canciones con intensidad. El público es muy variado, normalmente hay de todo pero siempre abundan las chicas guapas, jajaja.

¿Cuál es tu fin de gira soñado?

En el Palacio de los Deportes de Madrid, todo el mundo en pelotas.

Fechas previstas:

26 feb. MADRID, FNAC Callao.

27 feb. MADRID, Sala El Sol - 22:30 h

4 mar. VALENCIA, FNAC San Agustín.

5 mar. VALENCIA, Sala El Loco Club - 22:00 h

6 mar. ALBACETE, Sala Heartbreak Hotel - 22:00 h

11 mar. BARCELONA, FNAC Diagonal Mar.

12 mar. BARCELONA, Sala Sidecar - 22:00 h

19 mar. VIGO, La Fábrica de Chocolate - 22:30 h

20 mar. A CORUÑA, FNAC Plaza de Lugo.

25 mar. BILBAO, FNAC Bilbao.

26 mar. ZARAGOZA, FNAC Plaza España.

8 abr. MURCIA, Centro de ocio Zig Zag - 22:00 h

09 abr. GRANADA, Sala Sugarpop - 22:00 h

10 abr. SEVILLA, Sala Malandar - 21:30 h

16 abr. SANTANDER, Sala Heaven - 21:00 h

17 abr. GIJÓN, Sala Savoy - 22:00 h

23 abr. TOLEDO, Círculo del Arte - 22:00 h

Estrella Levante SOS 4.8 2010

Urzainqui — 2010-02-23T15:34:00+01:00

Se acercan las fechas veraniegas y los festivales poco a poco van cerrando sus carteles. Uno de los primeros en adelantarnos su potente oferta es el SOS 4.8 que tendrá lugar los días 30 de abril y 1 de mayo en el Recinto Ferial La Fica en Murcia. Franz Ferdinand, Los Planetas, Madness, The Horrors y muchos más sólo a golpe de ratón.

En este su tercer año podemos ver que estamos ante un festival que ha ido creciendo con paso firme, Chemical Brothers, Kaiser Chiefs, James, Spiritualized, P.J.Harvey y muchos más talentos foráneos han asistido junto a bandas de primer nivel patrio como Fangoria, Klaus & Kinski o Second. En el 2010 destaca una fuerte apuesta por llamar la atención tanto fuera como dentro de nuestras fronteras y un serio espaldarazo a este evento cultural.

En el plano musical destacan:

• Franz Ferdinand, cada concierto suyo es una fiesta, un espectáculo indispensable de esta banda arty. Si ya los has visto querrás volver a verlos, si no has tenido la oportunidad descubrirás que FRANZ FERDINAND RULES!

• Los Planetas, si el año pasado dieron la espantá (fueron sabiamente sustituidos por Mäximo Park), este vienen a sacarse la espinita y presentar su nuevo disco. Además (quizá haya alguna sorpresa) estará la sensación del año pasado, La Bien Querida.

• Madness, banda mítica que poco tiene que demostrar y mucho que enseñar, ritmo a raudales en lo que será un grandes hits en vivo.

• Tindersticks, si las propuestas anteriores pretendían enfervorizar a las masas, su directo es una muestra de intensidad, emoción y recogimiento, una gran banda que además presenta nuevo disco, Falling down a mountain. Junto a ellos, ese pop folk alocado por momentos que hacen los Magic Numbers.

• The Sunday Drivers, la representación española este año está más que bien cubierta, y buena prueba de ello es la presencia de los toledanos. Pop de kilates con un cierto rollo retro y un sonido que parece sacado directamente del estudio de grabación.

• We are Standard, si se cambiaron de nombre (motivos legales habemus) no cambiaron en absoluto de palo. Rock bailable, dos baterías y un sonido atronador dan forma a una macrofiesta brutal.

• Joe Crepúsculo, no sabe estarse quieto, hace muy poco nos ha regalado el que es su mejor trabajo hasta la fecha, Chill Out. Dará la cara frente a una banda que dio el salto al mainstream el año pasado y han partido la pana por donde han pasado, Love of Lesbian.

• The Horrors, el mejor disco del año pasado según NME fue suyo. Darán buena cuenta de Primary Colours, un disco de rock oscuro con influencias de Joy Division realmente adictivo. En directo dicen ser brutales, lo tendremos que comprobar. Como contrapunto, el pop cálido y colorista de Mystery Jets y la calidad contrastada de Nada Surf.

• Cristal Castles y Hot Chip, son este año, junto a Orbital y el clásico Fatboy Slim quienes atraen el mayor interés en el panorama electrónico que tan bien ha estado representado otros años; este no será menos.

• ¿Mas? Sí, Delorean, Dorian, Lidia Damunt, Amable, Anni B Sweet, ... etc. Como véis, un cartel de calidad y plagado de grandes nombres.

En definitiva, un festival que pinta más que bien y que nos preparará el cuerpo para los festivales veraniegos que le siguen, ahora bien, el que da primero, da dos veces. El SOS 4.8 promete dar mucha guerra, y que dure.

www.sos48.com

Primo Levi - Vivir para Contar

Paranoid — 2010-02-19T09:37:00+01:00

Arnold I. Davidson ha compilado una serie de artículos del genial escritor italiano, Primo Levi, con el común denominador de Auschwitz, campo en el que estuvo recluido, y la lucha contra el olvido del fascismo. Vivir para Contar, el título elegido para describir la recopilación, es una expresión del propio escritor y su significado resulta más que revelador. Primo Levi veía la supervivencia, más que como un fin en sí mismo, como una oportunidad para iluminar al mundo, explicar en tono crítico lo que vio, lo que sufrieron millones de personas y lo que motivó aquel comportamiento de los verdugos. Este volumen, desde luego, cumple con sus expectativas.

Vivir para Contar aporta mucho más que una simple descripción, a través de los ojos de Primo Levi, de estos hechos sucedidos durante la II Guerra Mundial. El autor italiano (por entonces joven, partisano y también judío) sugiere una visión más completa, en ocasiones humanista y hasta filosófica, de todo lo que ocurrió. Sus artículos hablan de crueldad y supervivencia pero también de la proyección de estos actos: él no sólo se limitó a superar de manera casi milagrosa su estancia en un campo de exterminio, se preocupó también de absorber todos los detalles para luego dar cuenta de ellos, de las situaciones y sus circunstancias.

El resultado, resumido aquí en algunas píldoras, es a la vez testimonio y exigencia de no obviar el pasado como manera de honrar a los fallecidos y barrera para que ninguna forma de fascismo no vuelva a dominar la realidad.

Desde el punto de vista formal, Vivir para Contar contiene una serie de artículos del autor, algunos de ellos, al parecer, poco conocidos, además de un trabajado prólogo de Arnold I. Davidson, relacionado con Primo Levi, y una parte final en la que varios intelectuales italianos teorizan sobre la “cuestión judía” en toda su profundidad, material procedente de una mesa redonda organizada por una revista.

Un documento interesante y a veces conmovedor que pone en guardia a las conciencias en contra de la relatividad provocada por el tiempo y los conformismos.

Los Goya 2010

Conway — 2010-02-15T16:37:00+01:00

Con poco (casi nulo) lugar para las sorpresas, la gala de los Premios Goya de este año tuvo al menos un ritmo superior al de años anteriores gracias a la supresión de la publicidad y a un guión que se dejó de rodeos y fue casi siempre al grano. Buenafuente respondió a las expectativas, pese a ciertos gags poco lucidos, y las apariciones de Rosa María Sardá y Pedro Almodóvar dejaron un buen sabor de boca tras el maratón de premios que siempre terminan siendo este tipo de celebraciones.

Sobre los premiados, poco que se intuyera casi desde que se conocieran las candidaturas hace unas cuantas semanas. Que el gordo iba a ser para Celda 211 era algo asumido de forma casi general, después del consenso generalizado sobre la condición de menor, pese a su presupuesto, del Ágora amenabariano. Curioso resultaba que la, a mi juicio, mejor película de las cuatro candidatas al máximo galardón, El secreto de sus ojos, no apareciera destacada en las quinielas. A cambio, su triunfo en la categoría de cintas hispanoamericanas estaba cantado.

Con la cinta de Monzón tengo la sensación de que, oculta en un impecable envoltorio, un ritmo endiablado y unas actuaciones notables, se encuentra una película mucho peor de lo que nos han vendido. Hay “algo” indefinido en ella, la manera en la que va cayendo en la inverosimilitud, las trampas que hay que tragar a lo largo del metraje, que me dicen que no aguantará en próximos visionados. Y eso que salí del cine moderadamente satisfecho.

Y ahora, en formato breve.

Me gustó: el premio para Marta Etura. Por fin se reconoce el talento de una de las mejores actrices de su generación. Que la debutante Mar Coll ganara por la dirección de Tres días con la familia, ejemplo de gran cine realizado con medios muy limitados. La calidad de los cortos que competían en esta categoría, donde sobresalía el trabajo de animación La Dama y la Muerte, candidato también a los Oscar. Que Jorge Guerricaechevarría recogiera, junto a Daniel Monzón, su primer Goya como guionista. La recompensa de Raúl Arévalo por su composición en Gordos, película con buenas interpretaciones que mereció mejor suerte. El agradecimiento de los hijos de Antonio Mercero por el Goya Honorífico a su padre.

No me gustó: el aparente desconocimiento del término “revelación” que posee la Academia. Que Soledad Villamil (El mismo amor, la misma lluvia; No sos vos, soy yo) sea candidata y gane en este apartado es para que se lo hagan mirar. El eterno déjà vu de ciertas categorías, como la de mejor actriz, otra vez con Maribel Verdú nominada, otra vez con Penélope Cruz nominada... Que Slumdog Millonaire siga recogiendo premios a estas alturas de la película. Y, como siempre, que el hecho de entregar cerca de treinta premios impida que estas galas duren menos de dos horas y media largas. Y sin parar ni para mear, como diría Karpov.

Delphic - Acolyte

Urzainqui — 2010-02-14T14:38:00+01:00

En el último año hemos visto nacer propuestas musicales dentro del electro pop tan interesantes como La Roux, Little Boots o los que nos conciernen esta semana, el trío británico Delphic. Acolyte es su primer disco y ha sido bendecido por crítica y público internacional como uno de los mejores debuts del año.

Delphic reside en Manchester y nace de la unión de talentos de James Cook, Rick Boardman y Matt Cocksedge, fuertemente influenciados por la música electrónica de los 80 (principalmente New Order) y la que después haría gente como Chemical Brothers, Orbital o Underwold, han producido una mezcla amable de pop electrónico con raigambre en el dance y la electrónica.

Acolyte comienza más que bien con "Clarion Call", pista que recoge las mejores virtudes del trío, pop contundente pasado por el tamiz de la electrónica; el disco tiene sus luces y sus sombras y momentos en los que se pierde, principalmente por la pista que da nombre al álbum, un momento ambient ciertamente insulso que rompe la tónica del disco, cuyo punto fuerte es lo entretenido de su escucha.

A destacar, además de "Clarion Call", los momentos de "This momentary", "Counterpont", "Halcyon" y "Doubt", pistas que han sonado hasta en videojuegos y ciertamente carne de cañón para remezclas discotequeras y sonar en los pubs más de tendencias.

En definitiva, Acolyte es un disco bastante entrenido, para cuando apetezca escuchar electro pop de bella factura y etiqueta brit. Recomendable por sus tres o cuatro pistas más inspiradas, el resto no ofende y hace pasar un buen rato.

Te gustará si disfrutas de bandas como Hot Chip o Friendly Fires, y animales de similar pelaje musical.

Lo mejor es lo cercano que es su música y lo pronto que conecta, en seguida llega. Lo peor, pecados de juventud, pero hay alguna pista más que olvidable.

www.myspace.com/delphic

Miquel Barcel� en CaixaForum - Madrid

Paranoid — 2010-02-10T23:19:00+01:00

El centro de arte CaixaForum de Madrid acaba de inaugurar una muestra que recoge 180 obras de Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957). La exposición busca ofrecer una perspectiva minuciosa de la vida artística de este autor multidisciplinar, para lo que acerca al público una multitud de obras sobre tela, papel y materiales escultóricos. Una de las estrellas de la retrospectivas es un elefante gigante que, apoyado sobre su trompa, saluda a los visitantes frente a la entrada del museo.

La muestra incluye creaciones realizadas por el mallorquín entre 1983 y 2009 y persigue, según los organizadores, mostrar “la ruta de su poética cruzando tiempos y espacios, obsesiones, materiales”, un camino profundamente marcado por los lugares del autor, sus edades y, sobre todo, la forma de enfrentarse a la soledad de su estudio.

Todo se organiza en torno a siete espacios que integran uno de esos puntos de visita imprescindible, la sala de exposiciones (aunque esta calificación se queda corta) CaixaForum de Madrid. El centro, de visita gratuita (al menos, yo nunca he pagado por entrar) y abierto todos los días, vale la pena tanto por su contenido como por su valor arquitectónico y sus alrededores.

Se trata de una antigua fábrica rehabilitada y suspendida sobre el suelo en la que el metal y el ladrillo son los principales protagonistas. Modernidad y tradición precedidas por un jardín vertical de varias plantas y una amplia entrada a menudo utilizada para abrir la boca de los asistentes. Y dentro, desde Renacimiento italiano hasta Chaplin, desde los etruscos hasta modernismo… una sucesión de exposiciones temporales caracterizadas tanto por la calidad de la selección como la idoneidad de su presentación.

Hay fecha tope, pero también tiempo hasta el 13 de junio para dejarse caer por ahí. No valen excusas.

The Magnetic Fields - Realism

Urzainqui — 2010-02-09T17:21:00+01:00

Stephin Merrit y compañía regresan con un disco en el que se alejan de los arreglos introducidos en I y de la barrera sónica tan propia de las producciones de Phil Spector que se marcaban en Distortion. Y como el título de cada disco viene a reflejar la esencia del álbum, en Realism disfrutamos del sonido más natural de la banda, con arreglos sacados del folk más clásico y siempre evitando artificialidades.

El noveno trabajo de la banda regresa a los paisajes creados en 69 Love songs aunque sin la brillantez de sus melodias aunque sí en la linea de sus mejores letras. Musicalmente es un disco directo, de corta duración y de 13 diez pistas fácilmente digeribles. Se nota que, aligerado de la carga de proyectos paralelos, Stephin ha emprendido una pequeña vuelta a los orígenes.

Realism sigue el esquema de los discos de Magnetic en los que se alternan las voces de sus miembros, siendo las pistas más memorables la festividad que desprende "We Are Having A Hootenanny", la magnética "I Don\'t Know What To Say" y la bucólica "Seduced and abandoned" en los que la banda aúna la contención de su sonido con lo directo de su mensaje. Un disco más que aceptable de esa mezcla de pop y folk que tan bien saben hacer.

Sin ser este el mejor disco que tienen, hay que reconocer que es una banda que ha volado muy alto, no desmerece a los anteriores y quizá a los más inmovilistas de sus fans les hará más gracia que los que disfrutan con sus experimentos sonoros.

Lo mejor, que sigan haciendo discos conceptuales tan interesantes. Lo peor, Realism es un disco que no molesta en su escucha y como tal bien puede no llamar la atención ni para bien ni para mal, quizá por momentos anodino.

Para amantes de la independencia y virtuosismos del Sr. Merrit, abstenerse amantes de sonidos atronadores.

La casita de Stephin en la red: www.houseoftomorrow.com